Vor zehn Jahren, bei den MTV Video Music Awards, zitterte die ganze Welt, als Miley Cyrus, die bis dahin „süße“ Hanna Montana, aufstand, um mit Robin Thicke zu tanzen. Der Song des kanadischen Künstlers, Bluerred Lines, war zum großen Hit des Jahres geworden. Seine Texte, ziemlich explizit und manchmal sexistisch – das waren andere Zeiten – dienten vielen als Grundlage, um sich in den Clubs auszutoben. Und das tat auch die junge Miley, die nicht zögerte, mit Thicke einen Tanz zu tanzen, der zumindest morbide war. Dasselbe Mädchen, das bis vor kurzem das Spiegelbild des puritanischen Amerikas war, mit absolutem Erfolg auf dem Disney Channel, mit einer Serie, in der sie ein Doppelleben als Künstlerin und gewöhnlicher junger Mann führte. Miley begeisterte die Mädchen ihrer Generation und wurde für sie zu einem Vorbild. Jetzt führte sie vor Millionen von Zuschauern obszöne Tänze auf.

Nach diesem Ereignis musste die junge Frau eine wahre Tortur der Kritik durchstehen, was sie jedoch nicht auf ihrem Weg zu ihrer kreativen Freiheit aufhielt. Sie veröffentlichte mehr Singles für Erwachsene, sie zog sich so oft aus, wie sie wollte, sie stärkte ihren Körper durch diese Tänze, diese Texte, ihre Lieder … und sie wurde für viele zu einer kulturellen Ikone in der MeToo-Ära . Als es so aussieht, als hätten wir bereits gelernt, diese Art von Auftritten zu normalisieren, wie es damals bei Madonna, Britney oder Beyoncé der Fall war, greift uns eine neue Kontroverse an, dieses Mal aus Spanien. Die Sängerin Aitana, einer der aufstrebendsten Stars der lateinamerikanischen Musik, musste wegen einer Choreographie in einem Konzert die gleiche Kritik aus erster Hand ertragen. Die junge Frau, kaum 24 Jahre alt, hat seit ihrem Auftritt vor sechs Jahren in der Reality-Show Operación Triunfo eine glänzende Karriere hinter sich. Dort wurde sie, gerade volljährig, auch für viele Mädchen zum Vorbild. Ihr Image als perfektes Mädchen, diskret, auf ihre Art schön, aber ohne Arroganz, machte sie zum Star in unzähligen Kampagnen. Es war das perfekte Produkt, ohne Kontroversen … bis sie sich entschied, erwachsen zu werden und ihrem Weg als Künstlerin zu folgen, zum Leidwesen vieler Mütter, die sie mittlerweile fast „pornografisch“ nennen.

Es gibt Künstler, die für ein paar Jahre, vielleicht fünf Jahre, den Honig des Erfolgs kosten und diesen Glanz dann für immer verlieren. Natürlich ist es besser, dort zu sein und es erreicht zu haben, als nie angekommen zu sein. Gruppen und Bands, die versuchen, den größtmöglichen Erfolg zu erzielen, und die sich am Ende in einer Branche bewegen, die sich in Gewaltmärschen ständig verändert und der Improvisation kaum Raum lässt. Moden, Trends bestimmen, wer überlebt und wer in Vergessenheit gerät. Es gibt wirklich blutige Fälle, die sogenannten One Hit Wonder, die in der Lage sind, die Welt mit einem einzigen Song zu verblüffen, dann aber in völliger Einsamkeit landen. Erinnert sich noch jemand an Psy, den legendären koreanischen Rapper, der die ganze Welt mit Gangman Style zum Tanzen brachte? Dieses Lied hat alle Rekorde gebrochen, aber es war der einzige Hinweis auf Erfolg für seinen Interpreten.

Im Gegensatz zu diesen Künstlern laufen die Legenden der Musik auch heute noch auf riesigen Bühnen in allen Ecken der Welt. Der Rolling Stone, Bob Dylan, Bruce Springeteen oder U2 haben Jahrzehnte an der Spitze der Branche verbracht und waren die Totems, die der Branche immer Stabilität verliehen. Dabei spielt es keine Rolle, dass die Musik, die im Moment am meisten gehört wird, nichts mit seiner zu tun hat. Es spielt keine Rolle, dass sie nicht mehr die Nummer 1 bei Plattenverkäufen oder Zuhörer auf digitalen Plattformen sind. Sie haben ihren Platz im Olymp der Musik bereits gesichert, sie sind lebendige Geschichte dieser Kunst, und sie werden es sein, bis sie sich entscheiden. Dasselbe passiert mit der stets respektlosen und umstrittenen Madonna, einer Künstlerin, die Jahrzehnt für Jahrzehnt viele junge Frauen gesehen hat, die erfolglos versuchten, ihren Thron zu stehlen. Mit mehr oder weniger Glück, mit mehr oder weniger Erfolg genießt die Queen of Pop seit jeher außergewöhnliche Popularität und absoluten Respekt bei Publikum und Kritik. Natürlich hat er bis dahin viel erkämpft, in den 80er Jahren die Branche komplett verändert, um sich trotz der dort noch herrschenden Geschlossenheit als Künstler weiterentwickeln zu können mal.

Deutschland war schon immer eine Großmacht in Sachen Kino und Literatur. Die Musik lässt jedoch zu wünschen übrig, da es noch nicht so viele Bands oder große Künstler gab, die das Land verlassen haben, um die Welt zu erobern. Nein, zumindest, wie im Falle Großbritanniens, Frankreichs oder sogar Schwedens. Die Mehrheit der deutschen Bands und populären Künstler beschließen, in ihrer Muttersprache Deutsch zu singen. Dies schließt offensichtlich einen Großteil des Auslandsmarktes im Ausland , da deren Verkäufe begrenzt sind, da sie nicht auf so viele Menschen zugreifen. Sie müssen sich nur die Beispiele der größten Bands des Landes ansehen, die meisten rocken, wie Scorpions , um zu verstehen, wie weit diese Einschränkung reicht. Die einzige Ausnahme war vielleicht Kraftwerf , unvermeidlich, wenn man über das Aufkommen der elektronischen Musik in Europa spricht.

So war es zumindest bis zum überwältigenden Auftritt einer weiteren großen Band , die es geschafft hat, Stadien und Pavillons auf der ganzen Welt zu füllen. Aus den Kanälen der Clubs und des Berliner Undergrounds entstand 1994 die Gruppe Rammstein , die es mit nur sieben Alben verteilt über fast drei Jahrzehnte geschafft hat, die Weltspitze zu erklimmen. Mehr als 50 Millionen verkaufte Tonträger auf der ganzen Welt zeugen vom Erfolg einer Gruppe, die es geschafft hat, viele Barrieren für deutsche Bands zu überwinden und zu einer wahren Ikone dieses neuen Jahrhunderts zu werden. Mit einem Stil provokant im Text und sehr intensiv und schwer im Musical haben Rammstein Fans in den USA, Japan, Australien und natürlich Europa geblendet. Seine Live-Shows sind unvergessliche Erlebnisse, und sein Name ist ständig mit Kontroversen verbunden, in den skandalösesten Schlagzeilen der Presse seines Landes. Es ist eine dieser Bands, die man live gesehen haben muss, einer der Drinks, die eine Show abliefern können, ähnlich der, die Gruppen wie Metallica oder U2 in letzter Zeit angeführt haben. Aber es stimmt, dass Rammsteins Musik nicht für jedes Publikum geeignet ist…

Musik war schon immer eine der herausragendsten Künste, eine der besonderen Ausdrucksformen. Für viele ist es eine wirklich universelle Sprache, die in der Lage ist, Emotionen ohne Gefühle zu übertragen, was bedeutet, dass eine Person aus dem Kongo von dem bewegt werden kann, was ein Österreicher zwei Jahrhunderte zuvor geschrieben hat. Musik erhöht die Seele und kanalisiert unsere Stimmung bis zu dem Punkt, dass es für viele ihr eigenes Leben ist, als ob sie ohne sie nicht leben könnten. Es ist der Herzschlag in Form einer Bassdrum, es ist ein Lachen wie ein Gitarrenspiel, es ist die Kraft einer Stimme, die das Herz direkt durch die strong erreichen kann … Musik ist ein Ganzes Universum der Leidenschaften , Emotionen und besonderen Orte , die uns das Leben viel mehr genießen lassen, als ob wir einen Soundtrack für diese Existenz brauchen würden.

Während des letzten Jahrhunderts, als populäre Musik vollständig explodierte, gab es viele Gruppen und Künstler, die es geschafft strong, sich abzuheben und nicht nur großartige Musiker, sondern auch authentische Legenden zu werden. Wie jede andere Kunst ist Musik in erster Linie subjektiv , und was ein Hörer einem anderen gefällt, ist schrecklich. Es gibt Gruppen und strong für jeden Geschmack, aber es ist klar, dass es Künstler gibt, die es geschafft strong, ein großes Publikum zu erreichen, unbestreitbare Erfolge zu erzielen, entweder aufgrund ihrer langjährigen Erfahrung oder aufgrund der Anzahl der verkauften strong, durch Tourneen oder einfach durch die Art und Weise, wie sie es geschafft strong, sich in die Populärkultur zu schleichen und zu Ikonen zu werden. Wir wollten in dieser kleinen Liste einige der meistverkauften und erfolgreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts zusammenfassen, ein wahrer Höhepunkt in einer Branche , die sich mit der Einführung des Internets jetzt erheblich verändert und die Plattformen des Streamings.

Musik begleitet uns unser ganzes Leben lang und dient bei vielen Gelegenheiten als Kulisse für einzigartige und unvergessliche Momente. Sie markiert uns vollständig mit diesem oder jenem Lied , das wir jahrelang hören dann bringt es uns wie von Zauberhand zurück zu dem Moment, in dem wir es so sehr genossen haben. Musik ist Kunst, aber es ist auch Geschäft , denn es gibt viele Künstler, die davon leben, von den Vorteilen ihrer Songs, ihren Performances, dem Verkauf ihrer Platten … Es ist wahr, dass Die Musikindustrie verändert sich mit Reisegeschwindigkeit und es ist sogar schwierig, all diese Veränderungen im Auge zu behalten, da das Internet die Industriestandards vorantreibt.

Das Urheberrecht bleibt jedoch in den meisten Ländern, in denen das Gesetz selbst die Kreationen von Musikern und Künstlern schützt, eine unbestreitbare Realität . Wenn ein Musiker ein Lied erstellt, kann er es als sein eigenes registrieren und behält so die Rechte an seiner Urheberschaft. Wer es von diesem Moment an nutzen will, muss eine Einigung mit dem Autor erzielen, da er seine Erlaubnis benötigt. In vielen Fällen geben die Autoren ihre Songs bei der Aufnahme eines Albums an die diensthabenden Verlage oder Plattenfirmen weiter, und sie sind diejenigen, die den Schnitt erhalten, wobei dem Musiker selbst ein Mindestprozentsatz verbleibt. Das Urheberrechts problem ist sehr komplex und ändert sich von Zeit zu Zeit dank des Internets und der Revolution, die es beim Entdecken und Konsumieren von Musik ausgelöst hat.

Nur wenige Gruppen haben eine ganze Generation so stark geprägt wie Nirvana . Diese drei jungen Männer aus Seattle haben nicht gerade Grunge kreiert, wie es so oft wiederholt wurde, aber sie haben dazu beigetragen, es als den ikonischen Stil der frühen 90er Jahre zu positionieren und wurden zu Bannern der sogenannten Generation X . Die Lieder des Trios hatten die Melancholie, den Nihilismus und die Frustration all jener Generation eingefangen, die in den 70er Jahren geboren wurde und angeblich die hellste in der Geschichte war. Sie stellte fest, dass die Welt, die ihnen versprochen worden war, im Leben nicht genau so war Real. Die Texte von Kurt Cobain, Sänger, Gitarrist und Komponist der Band, spiegelten die Jugend ihres Landes zu dieser Zeit wider. Und das machte Cobain zu einem Idol, fast zu einem Messias, sehr zu seinem Bedauern.

Das Leben des Nirvana-Sängers ist voller Höhen und Tiefen , süßer und unglaublicher Momente, aber vor allem harter Momente, die jeden brechen. Und das Schrecklichste von allem ist, dass einige der besten Momente seines Lebens ihn genau in die absoluteste Dunkelheit drängten. Dies ist die Geschichte eines schüchternen Jungen, der davon träumte, ein Rockstar zu werden, aber keinen Ruhm ertragen konnte . Die Geschichte eines Jungen, der sicherlich zu sensibel war und nicht wusste, wie er Stabilität in seinem Leben finden sollte, und vielleicht befürchtete, den Funken zu verlieren, der ihn dazu brachte, seine melancholischen und dunklen Lieder zu komponieren. Dies ist die Geschichte von Krut Cobain, einem der einflussreichsten Musiker der letzten Jahrzehnte .

In den späten 90ern schien die Boyband etwas fertig zu sein, nachdem Take That Robbie Williams ‚Abgang beseitigt hatte. Einige junge Leute aus den USA wollten diese Art von Jugendbands jedoch wieder ins Leben rufen, um wieder berühmt zu werden. Sie waren Backstreet Boys und mit eingängigen Songs, harmonischen Stimmen und einem absolut unwiderstehlichen Stil für junge Mädchen haben sie es geschafft, mit ihren ersten drei Alben zu Weltstars zu werden. Es gab zu dieser Zeit niemanden, der größer war als sie, und ihre Welttourneen bestätigen dies.

Erscheint auf den Titelseiten aller Magazine, deckt die Ordner der Mädchen ab und spielt zu jeder Zeit im Radio … Der Erfolg von Backstreet Boys war gewaltig und größer als der aller anderen Boybands, aber es kam n als die Dinge nicht mehr so ​​gut liefen, und die Band in verschiedene Wechselfälle verwickelt war, aus denen Mitte 2000 eines ihrer Mitglieder, Kevin Richardson, hervorging, kurz nachdem sie alle eine Pause gemacht hatten. Im Jahr 2018 fand die Band jedoch wieder zu ihrem 25-jährigen Bestehen zusammen und machte eine Welttournee mit dem Namen DNA Tour , mit der sie in die erste Reihe der Weltstars der USA zurückkehrte Musik

Der erwartete Moment, von dem so viel gesagt wurde, ist gekommen. Die Spice Girls haben sich wieder zusammengefunden, und diesmal hat keiner der fünf gefehlt. Es war Victoria Beckham, genau diejenige, die das Angebot eines Wiedersehens abgelehnt hatte, die erste, die an diesem Freitag das Bild veröffentlichte, das die Gewerkschaft bestätigt. Wenige Stunden später, heute Abend, haben die Künstler eine offizielle Erklärung veröffentlicht, in der sie ankündigen, dass sie wieder zusammenarbeiten werden:“Wir sind immer wieder überwältigt von dem Interesse, das weltweit an uns besteht. Es ist der richtige Zeitpunkt, um neue und unglaubliche Möglichkeiten zu erforschen, die unsere ursprüngliche Essenz wieder aufnehmen und gleichzeitig unsere Botschaft der weiblichen Ermächtigung für künftige Generationen verstärken.“

Die Designerin Victoria Beckham erscheint in ihrer Publikation zusammen mit ihren ehemaligen Kollegen Emma Bunton, Mel C, Mel B und Geri Halliwell (heute Horner genannt, da sie 2015 den Piloten Christian Horner geheiratet hat), sehr sexy, wenn auch nicht so sexy, wie https://www.mrpornogratis.it/valentina-nappi/. Ein Treffen, das im Wohnzimmer des Wohnhauses stattgefunden hat. „Ich liebe euch Mädchen! Viele Küsse! Spannend:“David Beckhams Frau hat auf ihrem Instagram-Konto zusammen mit den Labels #girlpower (die Macht der Mädchen) und #friendshipneverends (die Freundschaft endet nie – und auch der Name eines Songs der britischen Band aus dem Jahr 2007) geschrieben. Emma und Geri haben das gleiche Bild auch in ihren jeweiligen sozialen Netzwerken veröffentlicht.

Discs wie Justified, Future Sex/Love Sounds oder, in geringerem Maße, The 20/20 Experience haben einen Justin Timberlake gezeigt, der von der Idee besessen ist, Pop als Teil seiner eigenen künstlerischen Neuerfindung zu modernisieren und neu zu formulieren. Mit Hilfe von Produzenten, die mit Hip Hop und Rhythmus und Blues verbunden sind, hat der Sänger und Schauspieler schnell das Stigma seiner Vergangenheit als Mitglied einer Teenager-Boyband beseitigt und sich der Welt als Visionär vorgestellt, der so gültig ist, dass er globale Hits aufnimmt, um Innovationen zu schaffen und Trends zu setzen.

Er hat es mehrmals erfolgreich wiederholen können, und gerade weil er von so vielen Referenzen unterstützt wird, überrascht die Vorsicht, mit der Timberlake sich Man of the Woods nähert. So sehr in der Annäherung, eine Art Verschmelzung zwischen hochentwickelter und urbaner Produktion und amerikanischen Wurzeln, wie in der Ausführung, die wesentlich zeitaufwändiger und konservativer ist als in früheren Lieferungen, hinterlässt diese Rückkehr einen bitteren Nachgeschmack der Enttäuschung bei denen von uns, die Timberlake schon immer in hohem Maße kreativ betrachtet haben.

Wahrscheinlich ist der Schwede Martin Fröst nicht der beste Klarinettist der Welt und besitzt auch nicht – wie die New York Times beschreibt – „ein Talent und eine Virtuosität, die von keinem anderen Klarinettisten (vielleicht sogar von keinem anderen Instrumentalisten) übertroffen wird“. Doch abgesehen von dieser Art von Triumphalismus und Sonys Medienkampagnen, dem multinationalen Unternehmen, in dem er ausschließlich Aufnahmen macht, ist Fröst höchstwahrscheinlich der originellste und innovativste Klarinettist der Gegenwart. Und an diesem Wochenende, bei seinem Debüt in der OBC-Saison, hat er sehr deutlich gemacht, dass er, ob er nun der Beste ist oder nicht, so spektakulär ist, dass er wie kein anderer Klarinettist aussieht.

Er eröffnete das Programm mit seinem ersten Vorsingen im Auditori del Concierto para clarinete (Peacock Tales), einem Werk des schwedischen Komponisten Anders Hillborg, das vor zehn Jahren geschrieben wurde, als sich seine außergewöhnlichen Qualitäten entwickelten. Das Werk, unter der disziplinierten Leitung des amerikanischen Organisten und Regisseurs James Feddeck, wurde in der Millenium-Version angeboten, die in weniger als einer Viertelstunde eine überwältigende technische Virtuosität konzentriert, die mit klangvoller Phantasie, Lichtern, Choreographie und viel Theatralik gedient hat.